"Sunset   Moods"   fängt  die  leisen,  magischen  Stunden  des   Abends   ein.  Warme  Klänge  legen  sich  wie  Sonnenstrahlen  über  die Landschaft,   sanfte   Beats   tragen   durch   Momente   voller   Ruhe   und   Weite.   Es   sind   diese   Augenblicke,   in   denen   der   Himmel   in Orange-­‐   und  Rosatönen  leuchtet,  Gespräche  langsamer  werden  und  Musik  plötzlich  mehr  ist  als  nur  Klang.  Tracks  von  andhim, Nick   Curly,   Mollono.Bass   und   Gorge   schaffen   eine   Atmosphäre,   die   gleichermaßen   berührt   und   entschleunigt.   "Pool   Party Grooves"   lässt   das   Herz   der   Insel   schneller   schlagen.   Hier   trifft   pure   Lebensfreude   auf   treibende   Beats,   hier   verschmelzen Rhythmus   und   Bewegung   zu   einem   kollektiven   Rausch   aus   Musik   und   Sonne.   Druckvolle   Basslines,   verspielte   Hooks   und euphorische   Vibes   machen   diesen   Mix   zum   Soundtrack   für   unvergessliche   Poolside-­‐Momente.   Mit   Tracks   von   Sandy   Rivera, Bob   Sinclar,   CASSIMM   und   Carl   Cox   entsteht   ein   Klangbild   voller   Energie,   Leichtigkeit   und   diesem   unverwechselbaren   Ibiza-­‐ Feeling,   das   einen   einfach   mitreißt.   "Beach   Feelings"   bringt   alles   zurück   in   die   Balance.   Wie   das   sanfte   Rauschen   der   Wellen entfalten   sich   hier   tiefe   Grooves,   warme   Harmonien   und   fließende   Melodien.   Die   Musik   wirkt   wie   ein   stiller   Begleiter   – unaufdringlich,   aber   voller   Gefühl.   Man   spürt   den   Sand   unter   den   Füßen,   hört   das   Meer   im   Hintergrund   und   verliert   sich   in Gedanken,  während  die  Sonne  langsam  ihren  Weg  über  den  Himmel  zieht.  Mit  Tracks  von  Miguel  Migs  feat.  Lisa  Shaw,  Sebb Junior,  Block  &  Crown,  David  Penn  und  weiteren  Künstlern  entsteht  ein  Abschluss,  der  nachklingt  –   ruhig,  tief  und  voller  Soul. Déepalma  Ibiza  2026   ist  mehr  als  Musik  –   es  ist  ein  Gefühl,  ein  Ort,  ein  Zustand.  Eine  Einladung,  dem  Alltag  zu  entfliehen  und. sich  treiben  zu  lassen.  Zwischen  Sonne,  Meer  und  Sound  entsteht  ein  Raum,  in   dem  alles  möglich  scheint  –   genau  so,  wie  man Ibiza  kennt  und  liebt.

„Déepalma  Ibiza  2026”  erscheint  am  5.  Juni  als  limitierte  3xCD-­‐Box  und  Download-­‐/Streaming-­‐Edition.  Die  Download-­‐   Edition für  DJs  ist  bereits  ab  dem  22.  Mai  auf  Beatport  und  Traxsource  erhältlich.

In der Physik gibt es eine Theorie – die Vorstellung, dass Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gleichzeitig existieren und dass der Fluss der Zeit an sich eine Illusion ist. Dies ist zugleich der beste Ansatz, um „An Eraser and a Maze“ zu begreifen; denn auf diesem Album sind alle Epochen von Modest Mouse gleichzeitig und nebeneinander hörbar. Es mag das Ende einer Zeitlinie markieren oder den Beginn einer neuen oder vielleicht beides zugleich. So ist „Absolutely Necessary Never“ beispielsweise eine von Bass und Synthesizern getriebene Reise, die sich die DNA von „Tiny Cities Made of Ashes“ zunutze macht, der Apokalypse ein wenig den Schrecken nimmt und das Ganze auf der Toilette eines 80er-Jahre-Clubs durch die Nase zieht. Ganz nebenbei ist der Song auch ein neuer Modest-Mouse-Klassiker. „Speak ‘N Spell (Or Not)“ wirkt wie eine Mischung aus der Gitarrenarbeit früher Modest-Mouse-Alben und den bombastischen Refrains von „Good News for People Who Love Bad News“. Die gelegentlichen Übergänge zwischen den Songs erinnern an „The Moon & Antarctica“. Die Gitarrenparts in „Look How Far …“ hätten sich auch auf „We Were Dead Before the Ship Even Sank“ perfekt eingefügt. Natürlich wirkt nichts davon wie ein bloßes Aufwärmen der Vergangenheit. Alles existiert vielmehr simultan – was angesichts des kreativen Ursprungs dieses Werks nur allzu passend und eigentlich offensichtlich erscheint. Der Geist der Musiker aus verschiedenen Epochen der Bandgeschichte ist auf dem gesamten Album spürbar. Der verstorbene Sam Jayne von Love as Laughter – ein Freund und Weggefährte – ist zu Beginn von „Life’s a Dream“ als Sample zu hören. Auch das verstorbene Gründungsmitglied Jeremiah Green ist im Geiste auf „Stoner Party“ präsent: Der Song enthält einen Sprechchor, in den die Band gelegentlich ausgelassen einstimmte. Green hatte die entsprechende Zeile einst an der Wand eines verlassenen Hauses entdeckt, als er dort mit Freunden herumhing. Auf „Absolutely Necessary Never“ sind Synthesizer-Klänge des langjährigen Mitarbeiters Tom Peloso sowie Percussion von Ben Massarella zu hören, der seit „The Moon & Antarctica“ fester Bestandteil des Umfelds ist. Weitere Beiträge stammen von Benjamin Weikel, dem Schlagzeuger des Albums „Good News for People Who Love Bad News“. Auch die aktuellen Bandmitglieder Higbee und O’Connor leisten fantastische Arbeit; die Rolle des Schlagzeugers wird von einer ganzen Reihe von Musikern ausgefüllt, darunter der aktuelle Tour-Drummer Damon Cox, Janet Weiss (Quasi, Sleater-Kinney) und diverse andere. Modest Mouse begannen unmittelbar nach „The Golden Casket“ mit der Arbeit an dieser Songsammlung (Brock erinnert sich, dass er „Absolutely Necessary Never“ auf der Veranda des Studios entwarf, während die Arbeiten am vorangegangenen Album gerade abgeschlossen wurden). Anschließend arbeitete Brock mit Jacknife Lee (U2, The Killers) zusammen, der die Produktion des Albums fortführte – unterstützt von der aufstrebenden Produzentin Suzy Shinn (Weezer, Dua Lipa, Panic! At The Disco) sowie Justin Raisen (Charli XCX, Kim Gordon, Lil Yachty), der einen Track („Rotten Fruit“) produzierte. Was den thematischen roten Faden betrifft, der alles zusammenhält: Brock ist zwar kein Freund davon, ein Album zu sehr zu erklären oder intellektuell zu überfrachten, doch eines lässt er gelten: Mit „The Golden Casket“ (2021) wollte er – für andere wie auch für sich selbst – während der Pandemie Lichtblicke schaffen. „Diesmal habe ich einfach versucht, ganz ehrlich zu mir selbst zu sein. Auch wenn das jeder verdammte Musiker sagt, wenn er eine Platte herausbringt. Ich meine, hör dir ruhig mal irgendein Interview zwischen einem Musiker und Terry Gross an – achte besonders auf die Drei-Minuten-Marke. Worauf ich hinauswill: Ich habe meinen Filter einfach stärker ausgeschaltet und den Dingen ihren Lauf gelassen.“ Wie Brock der Seattle Times nach Greens Tod Ende 2022 sagte: „Ich kann mir vorstellen, dass hier im Haus noch eine ganze Weile ein Geist umgehen wird.“

Da er in den letzten Jahren so viele Menschen in seinem Leben verloren hat, hat Brock viel über die Sterblichkeit nachgedacht. Sehr viel. Und er scheint sehr gut damit umgehen zu können. In den Liner Notes der Platte heißt es: “Love and remembering …”, gefolgt von einer unvollständigen Liste von Namen. Während auf seiner Veranda eine Zigarette vor sich hin glimmt, äußert er die Hoffnung, dass die Hinterbliebenen in dieser Sammlung etwas Brauchbares finden würden – nichts „oberflächlich Optimistisches“ und auch nicht nach dem Motto „Dies ist meine dunkelste Stunde“, sondern … einfach: ETWAS. Wahrscheinlich überlegt er gerade, während er das hier liest ob er es wieder löschen soll – aber verdammt noch mal, ihm selbst hat es auch geholfen. Es trifft den Kern seines schwer greifbaren Schaffensprozesses. „Gedanken, Emotionen, Gefühle, all das … man ist wie eine Suppe, und es ist nicht immer einfach, die einzelnen Zutaten herauszufiltern. Ich grüble nicht viel über Dinge. Ich trauere nicht viel. Ich bin mir nicht sicher, ob ich überhaupt ein Mensch bin. Ich habe das Gefühl, ich sollte mehr Gefühle haben, als ich habe. Aber dann, wisst ihr, singe ich etwas. Und ich denke: Oh, da ist es. Oh – es ist da drin.“

Zudem feiern Modest Mouse in diesem Jahr das 30-jährige Jubiläum der Veröffentlichung ihres Studio-Debütalbums „This is a long drive for someone with nothing to talk about“. Die Band gilt bis heute als eine von der Kritik am höchsten geschätzten Formationen der Moderne – eine Band, die eigentlich nie so recht irgendwo hineinpasste; und genau das ist der Grund, warum sie eine so immense Bedeutung erlangt hat.

Band: Modest Mouse
Album-Titel: "An Eraser And A Maze"
Album-VÖ: 05.06.2026
Label: Glacial Pace Recordings / Virgin Music
Fotocredits: Ben Moon

„Diese verlorenen Seelen – die direkt aus der Fantasie von Bruce Springsteen entsprungen sein könnten – erhalten allesamt die Gelegenheit, ihr eigenes Lied zu singen ... Eine triumphale Version jener seltenen Spezies: eines neuen irischen Musical-Klassikers“, urteilte der Irish Independent. Der Irish Examiner beschrieb die Debütproduktion indes als eine Mischung aus „Americana im Stil von Nick Cave oder Tom Waits und Tom Murphy“ (★★★★).

Eine ganze Reihe von Gastkünstlern unterstützt Flannery auf dem Album bei zahlreichen Duetten und Ensemble-Stücken. Zu ihnen zählen die GRAMMY-Preisträgerin Anaïs Mitchell, der Songwriter Jeffrey Martin aus Portland, die mehrfach für den JUNO Award nominierte Kanadierin Jenn Grant, die für den Mercury Music Prize nominierte Lisa Hannigan sowie die für den Choice Music Prize nominierte Susan O’Neill. Ebenfalls mit dabei sind die Folk-Sängerin Marybeth O’Mahony aus West Cork, Flannerys langjährige musikalische Weggefährtin Yvonne Daly, die Belfaster Künstlerin und „The House Must Win"-Darstellerin Tabitha Smyth – und nicht zuletzt Flannerys Brüder Brian, David und Eamonn, die auf diesem Album ihr Debüt als Musiker geben.

Ebenfalls heute veröffentlicht Flannery eine eindrucksvolle Live-Performance der neu arrangierten Single „In The Gutter“. Das Video wurde im Everyman Theatre in Cork aufgezeichnet; Aufnahme und Abmischung übernahm Sandra O'Mahony, der Schnitt erfolgte durch Grace Keane O'Connor. Über den Song sagt Flannery: „Ein junger Mann fleht im Zuge seiner Versuche zur Selbstfindung seine Geliebte an, ihn wieder aufzunehmen und ihm auf seinem Weg der Besserung beizustehen. Doch die Zeit war – ach! – bereits abgelaufen.“

"The House Must Win" erntete bereits Lob von den Fachmagazinen MOJO (★★★★) und Record Collector (★★★★). Flannery, der im Laufe seiner Karriere zahlreiche Nummer-eins-Erfolge und Auszeichnungen verbuchen konnte, feiert die Veröffentlichung mit zwei besonderen Live-Auftritten in der Vicar Street in Dublin am 25. und 26. Juni – begleitet von einer Reihe von Gastmusikern, die auch auf dem Album zu hören sind.

Flannerys neuntes Studioalbum, *The House Must Win*, wurde in Cork City, Irland, gemeinsam mit seinem langjährigen Weggefährten Christian Best sowie dem amerikanischen Produzenten und Arrangeur Liam Robinson aufgenommen.

Über den Aufnahmeprozess sagt Mick: „Die Band, die auf diesem Album zu hören ist, hat in den vergangenen Jahren gemeinsam mit uns an diesen Arrangements gearbeitet. Es war eine großartige Erfahrung, die Aufnahmen bereits vor der Bühneninszenierung einzuspielen und die Geschichte sowie die Songs in diesem Format mit dem Publikum teilen zu können.“

Die Band setzt sich aus einigen der besten Musiker Irlands zusammen: Matthew Berrill (Holzbläser), Killian Browne (Klavier, Banjo, Harmonium), Niamh Varian-Barry (Violine/Viola), Dan Bodwell (Kontrabass) und Dominic Mullan (Schlagzeug). Liam Robinson arrangierte sämtliche Stücke – sowohl die neuen als auch die älteren – neu und ist auf dem Album zudem selbst als Musiker und Sänger zu hören.

Schon in den ersten Augenblicken entführen die Arrangements und die Produktion den Hörer in eine andere Welt. Getragen von Flannerys unverwechselbarem, erzählerischem Songwriting, führt "The House Must Win" den Hörer an eine Küste zutiefst menschlicher Geschichten – Geschichten von Liebe, Reue, Stolz und Sehnsucht – und festigt Flannerys Ruf als Meister seines Fachs.

"The House Must Win" ist ab sofort über One Riot Records erhältlich.

Künstler: Mick Flannery
Release: "The House Must Win“ (Album)
VÖ: 22. Mai 2026
Label: One Riot Records
Fotocredit Mick Flannery: Susie Conroy

Website: https://www.mickflannery.com/
„The House Must Win“: https://thehousemustwin.com/
Facebook: https://www.facebook.com/mick.flannery.musician
Instagram: https://www.instagram.com/mickflannerymusic/
TikTok: https://www.tiktok.com/@mickflanneryofficial

Musikalisch bewegt sich CARIA irgendwo zwischen Deichkind, Nina Chuba und Peter Fox – tanzbar und doch immer bewusst kantig. Pulsierende Beats, bewusste Brüche und eine gewisse Edginess sorgen dafür, dass die Songs nie einfach nur glatt durchlaufen. Auch textlich bleibt CARIA unbequem. Die Songs greifen persönliche Erfahrungen, gesellschaftliche Widersprüche und kulturelle Konflikte auf – direkt, ungefiltert und oft näher an der Realität, als im ersten Moment angenehm erscheint. Der Titelsong „Mädchen wie ich“ ist der persönlichste Song des Albums; ein musikalischer Tagebucheintrag zwischen Ausländerhass, Selbstzweifeln und kulturellen Erwartungen. „Mädchen wie ich passen hier nicht rein“ beschreibt das Gefühl, zwischen verschiedenen Welten und gesellschaftlichen Bildern keinen festen Platz zu finden. Mit „Boss Avatar“ folgt ein Gegenentwurf zu der Männerdominanz in der Kunst und den oberflächlichen Blick auf Künstlerinnen wie Carina: „Beine bis zum Boden, krass lange Haare – kann ich mal anfassen?“ Kunst und Musik bleiben auf die äußere Hülle reduziert. Der Track „Zombie“ hält uns den Spiegel vor und richtet den Blick gleichzeitig auf die gesamte Gesellschaft, in der sich Menschen zuweilen wie leblose Körper digital steuern lassen und ein Leben zwischen Dauer-Scrollen, digitalem Autopiloten und Reizüberflutung führen. In „Himmel“ zeigt CARIA eine ruhigere, fast träumerische Seite aus Synth-Wave-Elementen, Naturverbundenheit und der Sehnsucht nach innerem Wachstum. 

Live wird aus dem Duo gemeinsam mit Andreas Böhm am Bass und Mathias Ruck am Schlagzeug eine Band die auf echte handgemachte Live-Musik setzt. Die Songs sollen auf der Bühne atmen und von der Energie leben, die nur im direkten Kontakt mit dem Publikum entstehen kann. CARIA will mit der Musik nicht in erster Linie die forderen Plätze der Charts und Playlisten erobern. Die Künstler:innen möchten Musik machen, die nachklingt und vieles sein darf - nur niemals austauschbar und beliebig. 

Eine zweite Headliner-Show im Vereinigten Königreich, die am 9. Dezember in London stattfand, war binnen kürzester Zeit ausverkauft.

Schon einmaliges Anhören des fesselnden Albums „Blizzard“ führt einen direkt ins Herz jener frühen Begeisterung, die den jungen Künstler umgibt – ein Werk, das, wie Dove selbst sagt, „für Freunde gemacht“ wurde.

Passend zur Albumveröffentlichung erschien eine intim gefilmte und wunderbar reduziert inszenierte Session-Aufnahme mehrerer Titel aus *Blizzard* zu sehen, die im „Old Operating Theatre“ in London entstand: https://youtu.be/SYAZLU5VHfc

Am 15. Mai nun erscheint das Album auch physisch auf CD und Vinyl.

Künstler: Dove Ellis
Release: „Blizzard“ (CD/Vinyl)
VÖ: 15. Mai 2026
Label: Black Butter/AMF Records
Fotocredit: Xander Lewis

Instagram: https://www.instagram.com/doveellis_/

Das neue Album „ADAM“ enthält 12 neue Songs und stellt eine umfassende Erkundung aller Facetten von Lamberts beeindruckender Arbeit dar. Für das Artwork des ist der renommierte Modefotograf Nick Knight verantwortlich.
Weitgehend inspiriert von der Alternative- und Electronica-Musik der 90er Jahre, verbindet ADAM gekonnt verschiedene Genres, um etwas Zeitloses zu schaffen.
Einen ersten Vorgeschmack auf das Album gab es am 8. Mai, mit der Veröffentlichung der Single „EAT U ALIVE“, das den Hörern die düstere Industrial-Atmosphäre vorstellt, die einen Großteil des Albums prägen wird. Mit einem mitreißenden, energiegeladenen Refrain und voller unstillbarer, urwüchsiger Begierde rückt der neue Track Lamberts kraftvolle Gesangsstimme ins Rampenlicht.

„‚EAT U ALIVE‘ ist der perfekte Einstieg in mein nächstes musikalisches Kapitel“, sagte Lambert. „Ich wollte Songs schreiben, die in eine Welt passen, die an die Musik erinnert, die mich in den 90ern und frühen 2000ern geprägt hat. Nine Inch Nails, Björk, Prince, Muse, Goldfrapp, Daft Punk, George Michael, Massive Attack und The Crystal Method sind nur einige der Künstler, die den Sound inspiriert haben. Das Album erkundet sowohl die Licht- als auch die Schattenseiten des Lebens und den schmalen Grat, der eine positive von einer negativen Erfahrung trennt. Ich hoffe, dass diese Lieder jeden ansprechen, der den verwirrenden, aber notwendigen Prozess der Selbstakzeptanz durchlaufen hat. Es war eine echte Befreiung, meine eigenen Schwächen und Stärken anzuerkennen. Das Schlechte und das Gute gleichermaßen zu akzeptieren. Das war revolutionär für jemanden, der sich immer als Perfektionist und Idealist gesehen hat.“

Die Veröffentlichung des neuen Songs ist Lamberts erster eigener Song seit seinem von der Kritik gefeierten Broadway-Debüt im Jahr 2024, bei dem er als „Emcee“ in der mit dem TONY Award ausgezeichneten Produktion von „Cabaret“ im Kit Kat Club zu sehen war – eine Rolle, für die die „New York Times“ sein „schauspielerisches Können“ lobte und die „Variety“ als eine Rolle bezeichnete, für die er „geboren“ sei. Aufgrund der großen Nachfrage seiner Fans veröffentlichte er „I Don’t Care Much“ als Single in Zusammenarbeit mit Andrew Lloyd Webber, die er erstmals in der Tonight Show mit Jimmy Fallon vorstellte.

Im Anschluss an diese gefeierte Rolle trat er im August 2025 in der Hollywood Bowl in „Jesus Christ Superstar“ auf, wo er an der Seite von Cynthia Erivo als „Jesus“ die Rolle des „Judas“ spielte. Die drei Aufführungen erhielten begeisterte Kritiken, wobei TheWrap sie als „das heißeste Ticket der Theaterwelt“ bezeichnete. Auch Variety lobte die „umwerfenden“ drei Aufführungen und schrieb: „Wenn Lambert und Erivo beide für den Broadway verpflichtet werden könnten, würde diese Show sicherlich so viele Monate, Jahre oder Jahrtausende laufen, wie sie bereit wären, sich zu verpflichten."

Neben der Kunst sind Aktivismus und Engagement für soziale Belange wichtige Säulen in Lamberts Leben. Im Rahmen seines anhaltenden Engagements für die LGBTQ+-Community gründete er 2020 die gemeinnützige Organisation „Feel Something Foundation“, die sich für die Menschenrechte von LGBTQ+-Personen einsetzt. Außerdem ist er Botschafter von „Global Citizen“, einer Plattform, die sich für die Beseitigung extremer Armut einsetzt, und wird am 14. Mai, auf dem „Global Citizen NOW: New York Impact Summit“ sprechen.

ADAM LAMBERT – ALBUM-RELEASE-SHOWS
Freitag, 10. Juli – Los Angeles, CA – The Bellwether
Mittwoch, 15. Juli – Brooklyn, NY – Brooklyn Paramount
Dienstag, 21. Juli – London, UK – Roundhouse
Donnerstag, 23. Juli – Berlin, Deutschland – Uber Eats Music Hall

ÜBER ADAM LAMBERT
Adam Lambert ist ein für den GRAMMY nominierter Sänger, Songwriter, Schauspieler und Vorreiter der LGBTQ+-Bewegung, der 2009 durch „American Idol“ weltweite Bekanntheit erlangte. Seitdem hat er sich eine internationale Karriere aufgebaut, die von kraftvollem Gesang und hoher Kunstfertigkeit geprägt ist. Er hat mehrere Top-10-Alben veröffentlicht, darunter „For Your Entertainment“, „Trespassing“ und „The Original High“, sowie Hit-Singles wie „Whatya Want From Me“ und „Ghost Town“.
Sein Album „Trespassing“ schrieb Geschichte als erste Nummer 1 in den Billboard 200 von einem offen schwulen männlichen Künstler, und über seine Solokarriere hinaus hat Lambert als Frontmann von Queen das Publikum weltweit begeistert und weltweit ausverkaufte Stadionkonzerte gegeben.
Sein kreatives Schaffen erstreckt sich über Film, Fernsehen und Bühne, mit herausragenden Rollen in „Glee“ und seinem gefeierten Broadway-Debüt als Conférencier in „Cabaret“. Im Jahr 2025 spielte er an der Seite von Cynthia Erivo die Rolle des Judas in „Jesus Christ Superstar“ im Hollywood Bowl und erhielt begeisterte Kritiken. Als leidenschaftlicher Verfechter der LGBTQ+-Community gründete er die Feel Something Foundation, um weltweite Menschenrechtsinitiativen zu unterstützen. Lambert entwickelt sich ständig weiter und erweitert weiterhin künstlerische Grenzen, während er sich auf die Veröffentlichung seines mit Spannung erwarteten sechsten Studioalbums ADAM vorbereitet.

Parallel zur Albumankündigung veröffentlicht er die neue Single „Chalk“, einen raumfüllenden Electro-Track, inspiriert von der Snooker-Dokumentation „Ronnie O’Sullivan: The Edge of Everything“. In seinen Worten: „Es geht um die Idee, dass das Kreiden eines Queues nur einen minimalen Unterschied im Ergebnis ausmacht – eine Metapher für die Chaostheorie und die Gewinner-oder-Verlierer-Natur der Musikindustrie.“

Der Track feierte heute Morgen Premiere in Lauren Lavernes BBC 6 Music Show und wird neben seiner kürzlich erschienenen, Disco-inspirierten House-Single „The Heron“ auf dem kommenden Album zu finden sein – eine Hommage an seinen gefiederten Begleiter Ken, einen ausgestopften Vogel aus den 1920er-Jahren, der auch das Albumcover ziert. „Decoding Birdsong“ folgt auf den überwältigenden Erfolg seines Debütalbums „Service Station at the End of the Universe“ aus dem Jahr 2025, das Antony zu Auftritten in Glastonbury, bei Jools Holland und häufigen BBC-Airplay-Sendungen verhalf. Er spielte in ausverkauften Hallen in Großbritannien und Europa und trat im Februar 2026 vor 20.000 Zuschauern als Abschlusskonzert der Solomun’s Alexandra Palace Shows auf. Der ehemalige Englischlehrer arbeitete an einem College für Schüler mit besonderen Bedürfnissen, als seine Mischung aus gesprochenem Wort und Tanzmusik plötzlich durchstartete. Dies brachte ihm Auszeichnungen wie den Titel „Künstler des Jahres“ von 6Music im Jahr 2023 nach seiner EP „Poems To Dance To“ und häufige Vergleiche mit Mike Skinner, Jarvis Cocker und John Cooper Clarke ein.

„Service Station at the End of the Universe“ ist tief in Greater Manchester verwurzelt, mit seinen Bewohnern und Wahrzeichen wie der Stockport Pyramid. Und er spürte die Folgen: Plötzlich kannte jeder in der Kneipe seinen Namen – an manchen Tagen gefiel ihm das, an anderen fühlte er sich wie in der Truman Show. Nach einem Jahr mit Höhen und Tiefen in der Musikbranche spürte Antony, dass sich etwas ändern musste, und zog kürzlich nach Bristol. Er tauschte das Vertraute gegen Abstand und Ruhe. „Decoding Birdsong“ entstand in seiner neuen Heimatstadt mit seinem langjährigen Weggefährten Max Rad.

Während sein Debüt ein Solo-Projekt war, strotzt „Decoding Birdsong“ nur so vor Kollaborationen, unter anderem mit der australischen Band Pretty Girl, der Londoner Band Los Bitchos und dem Bristol-Produzenten 1-800 GIRLS sowie Imogen and the Knife und dem Indie-Popstar Ellur. Über das neue Album erklärt Antony: „Bei ‚Decoding Birdsong‘ geht es darum, an etwas zu glauben. Zufall als Religion. Sein Glück selbst in die Hand zu nehmen, angesichts von Einsamkeit und Zweifel. Die kleinsten Dinge können sich wegweisend, einschneidend und lebensbejahend anfühlen, wenn man sich nur darauf einlässt. Doch es stellt sich auch die Frage, ob das ein gefährlicher Weg ist zu leben. Was passiert, wenn die Glückszahlen stimmen? Welche Konsequenzen hat Glück? Sollte man auf die Vögel hören oder hört man immer nur das, was man hören will? Um das zu ergründen, haben wir uns mit folgenden Dingen beschäftigt: einem Reiher, Würfeln, einem abstürzenden Flugzeug, der Late-Night-Show ‚Aussie Gold Hunters‘ und einer Godzilla-Nachbildung aus Fiberglas.“ Nach einer Reihe von Konzerten in Europa und vor seiner ersten US-Tournee mit seiner gefeierten Live-Show – die oft als eine Art spirituelle Begegnung beschrieben wird – hat Antony Szmierek nun auch eine UK-Headliner-Tournee für diesen Herbst angekündigt. Geplant sind unter anderem Auftritte im Londoner O2 Kentish Town Forum und in der Manchester Academy. Im Sommer wird er außerdem The Streets bei einigen Konzerten supporten und im November als Special Guest bei John Cooper Clarkes Show im Manchester Apollo auftreten.

Künstler: Antony Szmierek
Single-Titel: "Chalk"
Single/Video-VÖ: 05.05.2026
Album-Titel: "Decoding Birdsong"
Album-VÖ: 21.08.2026
Label: Mushroom Music / Virgin Music Group
Fotocredits: Zak Watson

Instagram: https://www.instagram.com/antonyszmierek/
Website: https://www.antonyszmierek.co.uk

Newman erzählt über seine neue Single: „Ich habe ‚Track and Field‘ schnell geschrieben. Für mich ist der Song eine Art amerikanische Montage der frühen 90er, die sich um zwei College-Studenten dreht, die sich auf der Leichtathletikanlage ineinander verlieben. Den Namen ‚Lamorna‘ habe ich zu Ehren des Hundes eines Freundes gewählt, der von einer Klippe gestürzt ist. Weitere interessante Details: Der Song ist eine Hommage an Gerry Raffertys ‚Right Down The Line‘ – der erste Song auf einer langen Liste von Liedern, die ich gerne geschrieben hätte. Die Zeile mit dem ‚Triple Take‘ am Anfang des Songs ist von Patrick Stewarts viralem Video aus dem Jahr 2013 inspiriert, in dem er den ‚Quadruple Take‘ vorführt. ‚Track and Field‘ ist ein Song zum Mitsingen im Auto auf dem Weg zu einem schönen Ort … zum Strand oder im Hubschrauber durch einen Tunnel, ganz im Stil von Mission Impossible. Viel Spaß!“ Und zum dazugehörigen Video erklärt er: „Mein Video zu „Track and Field“ ist eine Zeitkapsel, die viele Jahrzehnte des letzten Jahrhunderts umspannt. Ich wollte die Leichtathletik erkunden, insbesondere das Training und die Wettkämpfe von Frauen. Der Song selbst feiert den College-Sportler, daher lag der ästhetische Fokus dieses Videos auf dem Schul- und Hochschulsport. Nichts eignet sich besser als eine Montage aus körnigem Archivmaterial, um die nostalgischen Anspielungen, die der Song „Track and Field“ ausdrückt, zu unterstreichen. Ein wahrer Augenschmaus!“

Mit alt-J – die mit vier Alben die britischen Charts anführten, in die Top 5 der Billboard-Charts einstiegen, zahlreiche Grammy- und Brit-Nominierungen erhielten und Milliarden von Streams generierten – wurde Newman Teil einer der erfolgreichsten Bands des letzten Jahrzehnts beiderseits des Atlantiks. Während die besondere Magie von alt-J schon immer in der ungewöhnlichen Verbindung dreier unterschiedlicher Stilrichtungen wurzelte, ist Newmans aktuelles Projekt ein Versuch, neue Seiten an sich zu zeigen – er greift auf die Einflüsse zurück, die ihn seit seiner Kindheit beflügelt haben, und verwebt sie mit Erfahrungen aus der bisher prägendsten Zeit seines Lebens. „Normalerweise bin ich nach der Fertigstellung eines Albums kreativ etwas ausgebrannt und mache eine Pause. Aber nach ‚The Dream‘ [von 2022] habe ich nicht aufgehört zu schreiben und viele sehr persönliche Ideen entwickelt: Erfahrungen als frischgebackener Vater und die prägendsten Erinnerungen an die Geburt meines Kindes“, erklärt Newman. „Mir wurde klar, dass dies ein guter Zeitpunkt sein könnte, etwas Neues zu wagen und etwas außerhalb des alt-J-Umfelds zu schreiben.“

Newmans Tochter wurde 2021 geboren. Sie ist es, die auf dem Cover von „The Canyon“ – gestaltet von der Künstlerin Sally Dunne – über die Schulter des Musikers lugt. Das Cover des Abums steckt voller Hinweise auf das was einen erwartet. Da ist das weiße Haus in der Ecke, in dem Matt Damon und Ben Affleck das Drehbuch zu „Good Will Hunting“ schrieben – ein Wahrzeichen in der Nähe des Studios, in dem das Album aufgenommen wurde. Da sind die Kojoten, denen Newman eines Morgens um 5 Uhr bei einer Autofahrt begegnete. Der Canyon selbst ist eine Hommage an einen ihrer Lieblingsorte während der Aufnahmen: das berühmte Canyon Coffee in Echo Park. Auf „The Canyon“ verwebt Newman skurrile und erhabene Geschichten und verwandelt alltägliche Momente in etwas Filmisches und Unvergessliches. Das Album entfaltet sich wie eine Sammlung musikalischer Kurzgeschichten – kurze, lebendige Momentaufnahmen, in denen Realität und Fiktion verschwimmen. Es ist ein intimes, abenteuerliches Album eines Songwriters, der selbstbewusst in ein neues Kapitel seines Lebens aufbricht, mit seiner Tochter an seiner Seite und den Kojoten von Echo Park, die über die von ihm geschaffene musikalische Landschaft wachen.

Künstler: JJerome87
Single-Titel: "Track and Field"
Single/Video-VÖ: 13.04.2026
Album-Titel: "The Canyon"
Album-VÖ: 26.06.2026
Label: Mushroom Music / Virgin Music
Fotocredits: Zachary Gray

Instagram: https://www.instagram.com/jjerome87
Website: https://jjerome87.com/

Die Belfaster Künstlerin Tabitha Smyth beschreibt die Erfahrung als „eine absolute Ehre, Graces Version von ‚I’ll Be Out Here‘ auf diesem Album zu singen. Es ist ein wahrer Genuss, den Song in der Show zu singen, und ich fühle mich sehr privilegiert, ihn zu covern, da ich weiß, dass er einer von Micks Lieblingssongs ist. Ich bin für einen Tag nach Cork geflogen, um ihn mit Mick und der Band aufzunehmen, und es war etwas ganz Besonderes, ihn live im Studio mit so vielen talentierten Musikern zu singen. Die Zusammenarbeit mit Mick war ein wahrgewordener Traum, und ich hoffe sehr, dass ich dem Song und dem wunderschönen Text in dieser Aufnahme gerecht geworden bin.“

Tabitha Smyth ist eine talentierte nordirische Schauspielerin und Singer-Songwriterin, die an der Bristol Old Vic Theatre School ausgebildet wurde. Kürzlich veröffentlichte sie ihre Debüt-EP „45 Minutes“ und gilt als eine der vielversprechendsten neuen Alt-Pop-Stimmen Großbritanniens und Irlands. Bevor sie zum Ensemble der Bühnenproduktion „The House Must Win“ stieß, drehte sie kürzlich den A24-Film „The Death of Robin Hood“ an der Seite von Hugh Jackman und Jodie Comer.

Das Doppelalbum „The House Must Win“ umfasst 20 Lieder, die die gesamte Geschichte von Flannerys Bühnenproduktion erzählen. An dieser Sammlung von Liedern wurde über 20 Jahre gearbeitet. Neuinterpretationen von Liedern seines Debütalbums „Evening Train“ aus dem Jahr 2005 sowie zehn neue Lieder und Orchesterarrangements machen dieses exquisite Album zu etwas ganz Besonderem.

Auf „The House Must Win“ wirken zahlreiche Gastkünstler bei den vielen Duetten und Ensemble-Stücken mit. Neben Tabitha Smyths Solo-Performance wird Flannery auf der ersten Single „Rising Tide“ von der GRAMMY-Preisträgerin Anaïs Mitchell, dem Portlander Songwriter Jeffrey Martin, der kanadischen, mehrfach für den JUNO Award nominierten Jenn Grant, der Mercury Music Prize-Nominierten Lisa Hannigan und der Choice Music Prize-Nominierten Susan O’Neill sowie der Folk-Sängerin Marybeth O’Mahony aus West Cork, seiner langjährigen Weggefährtin Yvonne Daly und Micks Brüdern Brian, David und Eamonn Flannery unterstützt, die mit ihm gemeinsam auf „Take It on the Chin“, einem der bekanntesten Songs von Evening Train, ihr Debüt als Musiker geben.

„The House Must Win“ wurde in Cork City, Irland, mit dem langjährigen Weggefährten Christian Best und dem amerikanischen Produzenten und Arrangeur Liam Robinson aufgenommen. Die Band besteht aus einigen der besten Musiker Irlands: Matthew Berrill (Holzblasinstrumente), Killian Browne (Klavier, Banjo, Harmonium), Niamh Varian-Barry (Violine/Bratsche) und Dan Bodwell. (Kontrabass) und Dominic Mullan (Schlagzeug) – Liam Robinson arrangierte alle Stücke, neue wie alte, und spielt und singt auch auf dem Album.

Es ist vielleicht mehr Musik, als Flannery normalerweise auf einem einzigen Album veröffentlichen würde, wäre es nicht mit einer so kühnen und ambitionierten Bühnenproduktion verbunden. Doch jeder Song hat seinen Platz – kein Takt fehlt. Von den ersten Momenten an entführen Arrangements und Produktion den Hörer in eine andere Welt.

Mit zahlreichen Nummer-eins-Hits und Auszeichnungen im Laufe seiner Karriere ist „The House Must Win“ ein weiteres bemerkenswertes Album von Flannery, das seinen Status als Meister seines Fachs einmal mehr bestätigt.

Künstler: Mick Flannery
Release: „I’ll Be Out Here“ ft. Tabitha Smyth (Single), "The House Must Win“ (Album)
VÖ: 13.04.26 (Single) / 22.05.26 (Album)
Label: One Riot Records
Fotocredit Tabitha Smyth: Bryony Coles
Fotocredit Mick Flannery: Susie Conroy

Website: https://www.mickflannery.com/
„The House Must Win“: https://thehousemustwin.com/
Facebook: https://www.facebook.com/mick.flannery.musician
Instagram: https://www.instagram.com/mickflannerymusic/
TikTok: https://www.tiktok.com/@mickflanneryofficial